Destacando al artista: Margaux – Nuestra Cultura

Margaux Bouchegnies, quien graba con el nombre artístico de Margaux, es una cantautora con sede en Brooklyn que creció en Seattle. Después de aprender a tocar la guitarra y luego el contrabajo, comenzó a escribir canciones y luego estudió jazz en la New School en Manhattan, aunque más tarde cambió al programa de escritura y se graduó con un título en poesía y no ficción. Actualmente, Margaux toca en la banda de Katy Kirby para una gira europea en apoyo a Blue Raspberry y también ha tocado el bajo para Fenne Lily, Allegra Krieger, Dougie Poule, entre otros. Comenzó a interpretar su propio material como Margaux en 2018, lanzando su EP debut, More Brilliant Is the Hand That Throws the Coin, al año siguiente. Su primer álbum completo, Inside the Marble, no solo navega por el desamor y las ansiedades de crecer con una intimidad sorprendente, sino que las hace sentir proporcionales al peso que tienen con el tiempo: hinchándose y haciéndonos sentir pequeños, atrapándonos y arrastrándonos. Con la ayuda del productor Sahil Ansari y colaboradores que contribuyen con trombón, violín y clarinete, Margaux parece llevar estos pensamientos personales en remolino a lugares salvajes, convirtiendo su debut en un asunto suave, en capas y bellamente dramático.

Nos encontramos con Margaux para la última edición de nuestra serie Artist Spotlight para hablar sobre sus primeros recuerdos musicales, su proceso lírico, su álbum debut y más.


¿Te importaría compartir algunos de tus primeros recuerdos de conexión con la música?

Creo que fue en la secundaria cuando empecé a tocar la guitarra un poco más. El vecindario en el que crecí tenía algo durante el verano llamado Beet Walk, que eran simplemente músicos callejeros. Tuve la oportunidad de participar en eso cuando era joven, y creo que ahí empecé a construir mi conexión con la actuación. Y también, a través de la escuela a la que asistí, teníamos muchas agrupaciones y cosas dirigidas por estudiantes donde podíamos tocar canciones que nos gustaban o experimentar con la escritura de canciones. Definitivamente, esos eran los espacios en los que construí esa conexión.

¿Cuándo se convirtió en una verdadera pasión para ti escribir canciones?

Realmente comenzó a ser una cosa para mí durante mi primer año de universidad. Había escrito canciones aquí y allá, un poco en privado o canciones que eran solo instrumentales. Pero durante mi primer año, estaba en un programa de jazz tocando el contrabajo y haciendo música de una manera muy académica, y creo que como respuesta a eso, comencé a encontrar alivio en la creación de mis propias composiciones y en la escritura lírica. Estaba tomando más clases en el programa de estudios literarios, sintiéndome más inspirada por eso que por el currículo de jazz. Fue en ese momento cuando comencé seriamente a crear canciones de una manera que finalmente me hizo sentir que quería compartirlas con otros.

Mencionaste que la rigidez de estudiar música te llevó a cambiar tu enfoque académico, pero ¿cómo te inspiró estudiar poesía y otros tipos de escritura en un contexto académico fuera de ese entorno?

Realmente catalizaríamos cosas más allá del trabajo en clase. Solo tomando a estos escritores que realmente me inspiraron y me metieron en ese estado de ánimo de querer crear. Eso es algo que estoy sintiendo que extraño mucho de esa experiencia, y me doy cuenta de que ahora que estoy fuera de la escuela y he estado fuera de la escuela por un tiempo, es más bien mi responsabilidad proporcionarme esa estimulación y las cosas que me volverán a inspirar para comenzar a escribir más. Fue realmente convincente, no solo para mí, sino para un grupo de personas, y eso fue realmente energizante para mi propia práctica creativa.

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¿Sientes que hay una separación entre cómo usas tu voz en poesía y en canciones, o se informan mutuamente?

Siento que provienen del mismo lugar. Es solo una de esas cosas en las que sientes que estás en ese espacio particular donde las cosas fluyen. Siento que, ya sea que esté escribiendo libremente o escribiendo un poema, es un poco la misma sensación que tengo cuando estoy escribiendo una canción. Aunque diré que hay algunas canciones en este álbum donde siento que no logré ese espacio, y para mí, realmente puedo escucharlo en el lirismo. Hay algunas canciones donde siento que realmente estaba en ese espacio poético, y otras donde las letras se sienten más directas. Definitivamente prefiero los momentos en los que siento que viene del mismo pozo que cuando escribo sin música.

En tu álbum debut, ‘I Wouldn’t Want It Any Other Way’ se siente como una de esas canciones más líricamente directas. Pero me encanta cómo todavía hay una sutil ambigüedad en cómo el comienzo del estribillo alterna entre “y” y “pero”. Es como si hubiera tanto una contradicción lógica como continuidad en no querer perder a tu amigo en el contexto de una ruptura. ¿Sentiste que querías escribir algo más simple mientras aún tratabas con sentimientos complicados?

Recuerdo sentirme atascada en ese momento con la escritura de canciones, en particular con la dirección que estaba tomando para la guitarra. Por lo general, comienzo escribiendo la música primero y luego las letras, y creo que me estaba sintiendo frustrada con los bloqueos que me estaba poniendo delante: pensé, déjame escribir una canción que no sea complicada, tanto musical como líricamente. Quería ser clara sobre lo que estaba diciendo. Pero es uno de esos sentimientos que es difícil de articular, incluso usando frases simples. Es como, ¿cómo realmente explicas la sensación de extrañar a alguien pero no querer reconectar? Hay un sentido de pérdida y duelo, pero esa persona técnicamente no se ha ido. Sentí que la mejor manera de explorar eso era dentro de esta canción más directa.

La primera canción, ‘DNA’, me impactó musicalmente con su convergencia de instrumentación acústica y electrónica, lo que parece ser una forma de complicar y superponer esos sentimientos.

Sí, definitivamente resuena. Estaba tratando de ilustrar las diferentes tonalidades de esas emociones. A veces puede sentirse muy simple y destilado, y con algo como la primera canción, donde está bastante fuertemente arreglada, eso fue definitivamente escrito durante un momento de tormenta de sentimientos.

Eso me lleva a ‘Ships’. Otra forma en la que te enfrentas a sentimientos intensos es a través de la metáfora, y realmente exploras eso en esta canción. ¿Sientes que ese lenguaje figurativo te resulta útil de alguna manera diferente?

Siento que también hay una parte para mí en la que si hablo sobre este sentimiento en términos que están un poco alejados de los detalles específicos que me hicieron sentir de esa manera, entonces hay espacio para que se transforme en algo sobre otras cosas también. De alguna manera, siento que no me estoy comprometiendo demasiado estrechamente con un incidente específico. Aunque todavía siento que es personal para mí y siento ese sentido de cercanía, también es liberador no atarlo demasiado directamente a algo específico. Además, creo que escribir canciones sobre desamor es tan común, y encontrar una manera de que no se sienta como si ya se hubiera dicho antes puede ser un desafío. Puede ser fácil que esas cosas se sientan trilladas.

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Obviamente puede significar cosas diferentes para otras personas, pero ¿sientes que la emoción se ha transformado para ti?

Sí, un poco. Me identifico con los sentimientos que expresé en relación con otras cosas que he experimentado desde entonces. Al final del día, siempre se tratará de lo que fue inicialmente, pero es agradable tener esa libertad, hay suficiente espacio entre las palabras y los detalles de mi experiencia que siento que puede crecer, o puedo crecer con eso.

‘Ships’ también tiene uno de los arreglos más maravillosos y sinuosos del álbum. ¿Cómo fue ponerlo todo junto?

Fue realmente divertido. Esa canción es particularmente antigua; la había grabado de diferentes maneras con diferentes sonidos y arreglos en el pasado, y fue divertido llevarla realmente al estudio y soñar con todas las formas diferentes de llevarla a su forma final. Inclinarse hacia el drama de eso fue algo con lo que me divertí mucho. El final fue una adición nueva escrita por Willem de Koch, que tocó el trombón en todo el álbum. Ese fue un día muy divertido, escuchando lo que se le ocurrió. Encajó de forma tan perfecta con la canción, nunca había hecho eso antes, tener a alguien más escribir una parte adicional para una canción que había escrito. Fue agradable ver que tuvo esta nueva vida, tener la perspectiva de otra persona pero seguir estando tan en línea con el sentimiento de la canción.

¿Cómo estas y otras canciones del álbum adquirieron una nueva vida para ti?

Con ‘Ships’ específicamente, se convirtió en una canción más larga, lo cual me encantó. Realmente nos enfocamos en eso. La melodía tiene momentos en los que una nota se mantiene durante mucho tiempo, y eso fue parte de una sensación que estaba tratando de expresar allí, ese peso, algo prolongado y arrastrándose. Cuando estás pasando por una especie de ruptura o desilusión, realmente no puedes apresurar esos sentimientos; a veces parece que ocupan todo tu mundo, y sientes como, “Oh, ¿esto será simplemente el futuro previsible?” Siento que agregar ese outro, de la forma en que enfatizó lo que la canción ya trataba, la hizo sentir más completa.

Para otras canciones, ‘Sadie Something’ es una que definitivamente llegó a un lugar que no había imaginado completamente antes. Fue divertido incluir instrumentos como el pedal steel y el trombón. Recuerdo que hubo momentos con esa canción en particular en los que Sahil y yo estábamos probando cosas de las que no estábamos seguros de si funcionarían, como algunas cosas de trombón realmente locas y abrasivas sucediendo al final. Siento que algunas de estas cosas fueron simplemente más voces en la historia.

Me interesa cómo describes tu relación con el tiempo en el álbum: es algo que se mueve rápidamente, pero tampoco tienes más que tiempo. Cuando estás escribiendo, ¿sientes que piensas en el tiempo de una manera particular que no es accesible cuando no estás en ese espacio mental? ¿Es el tiempo algo que se siente borroso o conflictivo?

Definitivamente siento esa sensación de distorsión del tiempo mientras escribo, esa experiencia de estar en un estado de flujo en el que ni siquiera estás prestando atención al tiempo. En términos de tiempo como tema y punto de inspiración, creo que gran parte de eso proviene de la ansiedad: cuánto tiempo queda, pasar el tiempo sabiamente y eficientemente. Eso se abre paso en mi experiencia con la escritura de canciones, también sintiendo que, “¿Es esto algo que vale la pena perseguir o en lo que vale la pena pasar tiempo?” Pero es agradable cuando puedo superar eso. Incluso si solo estoy hablando de cómo me siento ansiosa al respecto, todavía se siente catártico que una canción surja de eso.

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¿Sientes que la escritura de canciones casi tiene que ser una oportunidad para pausar? ¿Hay momentos en los que puedes apresurarte a través de una canción?

No suelo sentir que pueda escribir una canción rápidamente. Me lleva mucho tiempo completar una canción. Siento que soy una de esas personas que es bastante sensible al espacio. Por un tiempo, sentí que solo podía escribir canciones cuando regresaba a casa en Seattle. Mucho de eso tenía que ver con el sentido de privacidad que podía tener en la casa en la que crecí, y también todos los recuerdos y la carga emocional que vienen al ir a un lugar que es tan parte de tu persona que ya no encuentras tanto. Eso se sentía muy rico como un espacio. Pero no siento que pueda apresurarme a través de la escritura de una canción, y cada vez que lo hago, especialmente con las letras, a menudo termino sintiéndome bastante infeliz con lo que sale. Sería agradable encontrar una manera de sentirme un poco menos preciosa acerca de estas cosas, porque casi siento que la mayor parte del tiempo que paso escribiendo es solo superando estos obstáculos.

El título se refiere en parte a la idea de perder la cordura. ¿Podrías compartir algunos procesos o rituales que te mantengan con los pies en la tierra?

Siento que hacer mi cama es algo que me proporciona una sensación de, como, “Ok, esto está hecho”. A veces, para obtener esa claridad mental, necesito ver algo que esté bien organizado frente a mí. Hacer eso consistentemente ha sido una buena manera de sentirme centrada. He estado dibujando más, que es algo en lo que realmente nunca había estado interesada. Ha sido agradable ser juguetona, especialmente con cómo mi relación con la música y la escritura de canciones ha cambiado ahora que la he convertido en algo en lo que estoy tratando de dedicarme como carrera y compartirlo con la gente de una manera muy pública. Muchos de esos pensamientos entran en mi mente cuando escribo, así que es agradable tener algo que está muy desconectado de eso y que sigue siendo una forma de expresarme creativamente.

¿El tocar y estar presente en las canciones de otras personas afecta cómo piensas en las tuyas?

Es interesante, siento que es tan separado en mi cabeza. Cuando estoy de gira con un artista y toco el bajo en su banda, siento que estoy totalmente viviendo en esa música y estoy dedicada a eso en el momento, lo cual creo que es por qué tal vez ni siquiera esté realmente muy conectada con este lanzamiento todavía. Siento que estoy haciendo algo en este momento en lo que quiero estar 100% presente. Eso me parece muy importante, aunque definitivamente estoy muy inspirada por muchos de estos artistas con los que he tenido la oportunidad de hacer giras. Son personas a las que estaba escuchando antes, y realmente es un gran placer poder tocar música que amo.


Esta entrevista ha sido editada y condensada para mayor claridad y longitud.

Inside the Marble de Margaux ya está disponible a través de Massif Records.